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文：朗天
其實不用很多年之後，我們也會曉得袁錦麟的《風暴》，它不只是一部電影那麼簡單。《風暴》在香港電影史上，應該有一定的分水嶺意義，換言之，它是一部值得標誌的作品。
我這樣說當然和影片的水平無關。該片導演袁錦麟，自編自導，行外觀眾初看，不少以為他是電影學院剛畢業的新人，驚嘆江志強和劉德華為何會投資他拍片。其實他出道歷史悠久，寫過不少劇本，更重要的是他專攻特技，協助陳木勝拍過不少動作片。以往從攝影轉做導演的大有人在（劉偉強、杜可風、鮑德熹），而今天特效指導轉做導演，充分展示了影像話事人的新權力譜系。
以往港產動作片的特點，在於實牙實齒，明刀明槍。成龍真人高樓躍下，飛車爆破，特技人以血肉之軀挑戰視聽感官，無數「龍虎武師」和演員，前仆後繼。數碼技術普及後，「戲唔使再咁辛苦去拍」，一塊綠幕，將人頭湧湧、飛車場面、模擬街景、中環淪陷（《風暴》中林家棟在石屎雨下奔跑，堪稱代表）都以合成影像解決，問題是：技術真的到了觀眾可以接受的水平嗎？
真的可以與以為可以之間的距離，究竟有多大？其實在活動影像之前，尤其在海報廣告的固定影像範疇，製作人早表現出對實感的極度輕視。那兒子在爸爸臉上畫鬍子的廣告（居然是平面添加）、某銀行職員套上機械臂及畫廊字畫廣告等，設計師都不採取花費不會增加多少的舊式拍法，直接改用合成影像，造成令人尷尬的虛假印象，與廣告原訊息格格不入，甚至形成反諷。
這一切與其說觀眾要求下降了，不如說製作人自己把要求調低了。一句話：不認真、不專業，又或者以為「數碼一代」看慣了合成影像，一定可以接受。對此，我只能不斷大聲吶喊：不是這樣的！影像文化革命，不是這樣的，革命不是要人偷懶、離開專業精神，而是讓人變得更勤力，更專注於前路。
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