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■挪威館的《The Telling Orchestra》
從展覽中我們不單可以看到各國的劇場設計作品，還可窺探當地的表演藝術文化，以至國家近代文化意識形態。展館各有特色，當中可看出不同的策展心思，而在形式上大致可以分為動態和靜態兩類。動態展即以互動性或演出作為重點，觀眾參與性高，以身體感觀體驗展覽所表達的主題；而靜態展則指運用傳統方式，例如模型、相片、錄像等媒介，好處是可以清晰地展示作品。香港館、中國館在本屆PQ展都採用了靜態展示方式；香港館展出五個舞台和燈光設計作品，表達「質樸與浮華」這一主題；而中國館展出的作品以戲曲舞台為主，介紹以現代劇場和當代角度呈現傳統表演藝術的現況。以下介紹一些具特色的展館。
日本館以「紙」為主題，策展人沒打算展出個別舞台美術家的作品，反而由舞美與服裝設計師進行每人5分鐘的馬拉松接力表演，與觀眾打成一片。在日本館的演出中，觀者和演者仍有明顯分界，而西班牙館則進一步打破兩者的界限，在館內放置了一張長木檯來舉行不同的工作坊和活動。西班牙館以「手」作為主題，介紹受到現代化劇場技術影響而漸趨式微的行業和藝術家，例如西班牙最古老的木偶製作公司、布景工場、專業巡遊舞台及服裝設計等……指出舞台美術中「技藝」的重要性，期望能找出一個技術與手藝共存的空間。
奧地利館描繪現代3D技術在模型製作和舞台創作中的應用。主要介紹設計師David Fielding為布雷根茲音樂節（Bregenz Festival）設計的作品《Andr* Ch* nier》，展示它如何全面地運用3D電腦技術製作。佈景大部分都是由機械人切割出來，過程並拍成短片展示。布雷根茲音樂節（Bregenz Festival）是奧地利表演藝術的一大焦點，始於1946年，自1950年起在康斯坦斯湖（Lake Constance）上建起了一座可容納6,500個觀眾的流動舞台。音樂節每年7至8月上演歌劇，吸引世界各地的觀眾慕名而至，成為一個由藝術帶動之著名觀光點，是一個十分成功的藝術項目。
俄羅斯館由兩位設計師Viacheslav Koleichuk和Anna Koleichuk從「完全遊戲」（Total Game）概念出發，他們的審美觀源自1920年代前衛藝術，特別是畫家烏拉迪莫．塔特林（Vladimir Tatlin）和亞歷山大．羅欽可（Aleksander Rodchenko）等藝術家的構成主義（Constructivism）作品。展覽以繪畫、燈光、音響／樂器、動力學（Kinetics）等作品重塑這一時代的藝術特色，提醒創作人在互動性、遊戲性中重新發展古典與前衛藝術的特色。
波蘭館的目標是讓觀眾重新認識「空間」（Space）。空間存在於人、記憶、歷史、情感、文化符碼的互動之中，是一種身份認同，真正的空間往往只能見於卸除了人工化外表之後。策展人希望觀眾與藝術品交流，創造社會連繫，希望觀眾參與事件時不會被局限在一個被動位置。展館建設成一個純白的正方體，四面牆漆滿白油，油漆下是玻璃，玻璃底下是印有劇院照片的背景；地上則擺放了數部電視和錄影機來播放表演藝術作品片段。館內提供工具讓觀眾藉刷去白色油漆來創作自己的作品，可以是文字、塗鴉、繪畫等。由第一天的白皚皚一片，到最後一天牆上滿佈著全世界觀眾集體創作的藝術品。
挪威館的展覽作品名為《The Telling Orchestra》，是一個結合電動機械物件劇場（Electromechanical Object Theatre）、裝置藝術和表演的一個嶄新表演形式。創作團體Verdensteatret善於在創作中結合表面上明顯不相干的技術與物料，例如電腦程式和漂流木。它打破傳統的靜態展形式，在主場館地庫一個燈光昏暗的空間創造這個生動的現場表演。表演最大的特點是運用機械、聲效、光、影、物件等創造情景、動作和角色；不需要演員已能構成一個內容豐富及充滿詩意的演出。
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