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文：葉 輝
拉里辛納在《藝術的發明》一書中，將藝術的文化歷史分為兩個時期--藝術贊助（patronage）及藝術市場（free market ）；以歐洲為例，直到十三世紀，贊助人主要是宗教機構和君主，隨着城市崛興，世俗者如商人、銀行家和軍事家逐漸加入贊助人的行列；及至十七世紀，關注於藝術品味的收藏家和鑑賞家成為主要藝術贊助人；工業革命以降，公共收藏者不斷增加，於是逐漸形成了藝術市場。
藝術發展之路很漫長，在歐洲，原先只是技藝或勞作，比如亞里斯多德（Aristotle）在《詩學》（Poetics）首章就指出：「史詩和悲劇、喜劇和酒神頌以及大部分雙管簫樂和豎琴樂--這一切實際上是模仿，只是有三點差別，即模仿所用的媒介不同，所取的對象不同，所採的方式不同。」他更明言：「有一些人，用顏色和姿態來製造形象，模仿許多事物，而另一些人則用聲音來模仿......
到了文藝復興時期，或可從達文西（Leonardo da Vinci）的《維特魯威人》（Vitruvian Man）看出藝術的端倪，那是透過人的具體形象所描繪的理想的「人」，從中可反映了藝術家（兼科學家）對神靈的認知，他按照古羅馬建築師維特魯威（Vitruvius）的比例學說，繪製出比例完美的人體圖像：將維特魯威人高度分成八個等分，兩手臂張開亦分成八個等分，收納於六十四個正方形的格子之中--其時文科與理科尚未完全分科，藝術形象正好融合於科學理性分析。
拉里辛納翻閱大量文獻，發現在相關著述中，除了「模仿」的基本原則外，藝術還有四個基本原則，「美學」其中兩個基本原則乃「天才」和「想像力」，兩者俱涉及藝術創作，另有兩個基本原則：「與實用相對立的愉悅」和「審美」，那就涉及藝術的目標及接受方式。
美學如果與實用相對立的愉悅、天才和想像力結合在一起，就成為區別「美學藝術」與「機械藝術」（或手工藝）的基本原則；如果與愉悅和趣味合在一起，就成為區別「美」與科學、文法、邏輯學的基本原則了；如此區分，不免會遮蔽若干史實：在整個文藝復興時期，意大利流行（佔主導地位）的藝術概念，在本質上，與古希臘、羅馬乃至中世紀，本是一脈相承的。
在古希臘至羅馬時期，不管藝術被稱為ars還是techne，都指向目標明確的技藝，故此都是知識的應用，其後才被稱為「自由藝術」或「機械藝術」，問題也許在於繪畫、雕塑和建築一直都被列為「機械藝術」，參與創作（或製作）的人被稱為畫匠、雕塑匠或建築匠，社會地位與泥水匠、木匠、水手、漁夫、屠夫、麵包師、鞋匠並無區別；他們若想與詩人、哲學家平起平坐，就得要達致非常重要的兩點：一是接受人文教育以重新啟蒙，二是從理論上證明繪畫、雕塑或建築並非純體力或純技藝的產物。
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