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■「從攝影到音樂的互動：祈大衛與陳慶恩的創作對話」展覽現場
-從攝影到音樂的互動
這場攝影展的名字是：「從攝影到音樂的互動：祈大衛與陳慶恩的創作對話」。是次攝影展以一系列的花果為題，作品由攝影師祈大衛掌鏡，他先將寶麗萊拍出的一次性成像照片，以高解析度進行掃描，輸出的影像經放大後，再用微壓電微噴列印技術打印於藝術畫紙上。以今時今日眼光去看，寶麗萊照片已經是一種在消失中的攝影媒介，而祈大衛的這批照片亮相，還剛好趕得及寶麗萊照片在遭到淘汰之前展出。■文：香港文匯報記者 賈選凝 圖片由藝術家及香港大學美術博物館提供
這批照片的獨特之處，在於它們也成為了祈大衛與陳慶恩所進行的跨媒介創意對話。陳慶恩特地為是次展覽譜曲，曲名為《聲影留別》。從寶麗萊「即影即有」到數碼即時打印，照片本質已然見證了媒介的變遷，兩位藝術家也因此對媒介創作的轉移，抱持着正面開放的態度。而為這組攝影作品創作不到十分鐘的音樂速寫，其所用時間之長卻超乎了港大音樂系系主任陳慶恩的想像。
祈大衛的寶麗萊相片，大多是在2007年拍的，2011年時和陳慶恩聊到是否有可能進行一場攝影與音樂之間的互文合作。陳慶恩表示：「這提議最吸引我之處，首先在於寶麗萊是一種即將消失的媒介，而這樣的嘗試我也從未做過。很多西方當代作曲家都和藝術家有過這種合作，利用展覽場地現場演出音樂。所以我覺得有興趣。」 但手上的事一直停不下來，草稿寫出來又荒廢，直到今年暑假，港大美術館敲定了展期，他才着手從頭開始創作曲子。
這段名為《聲影留別》的曲子，和陳慶恩近十年來創作的大部分作品一樣，是以拼貼或並置的形式，將精簡的音響元素連在一起，但不是隨意併貼，而有內在的起承轉合。他在譜曲時希望傳達出濃濃的依依不捨意味，而對經典素材的使用則是要喚起人的共鳴。蕭邦《練習曲》作品10 第3 號俗稱「離別曲」；「離別曲」的引用，隱隱指涉的，是海頓《告別交響曲》的終章。而隨着他慢慢引出這首以「告別」為題的素材，原本圍攏台上的三個演奏者也慢慢散開，利用博物館的現場空間，實現出了音樂感與作品的對話。
如何說告別
陳慶恩認為，這場攝影展和普羅大眾整天在香港看到的展覽會有不同，觀眾可以看到不同範疇藝術的合作，而當音樂出現在博物館、美術館等場地時也和在音樂會上演奏有截然不同的質地。實際上康文署也有一些這樣的場地，或許未來可以考慮更加善用。
而在祈大衛的作品中，掃描後的影像並不會做任何加工--所有打印出來的照片，純粹只是光線透過鏡頭曝光時對底片產生化學影響的記錄，這份影像中的直接，也令陳慶恩感到具有魅力。「這一組collection中拍的實物其實常見，但他經過掃描再打印之後，好像又和相片中的實物有了一種曖昧距離。」
祈大衛攝影中隱含着對一種攝影媒介的告別，而陳慶恩在作曲時也着力鋪陳了這份情懷--只是對他來說，「告別」是從音樂角度出發的一層思考。他說：「小的時候聽的是黑膠，後來我記得八十年代出了CD，當時很興，後來又不流行了，如今Hi-Fi可以貴到幾百萬。」欣賞藝術的方式隨着生活方式而改變，他回憶起自己幼時在大會堂聽音樂會，從不需要別人教幾時要拍手鼓掌，而如今有時會見到經提醒再三還在講電話照相的人。「好像連音樂會這種形式都漸漸要說告別了，因為更多的人會被video、幻燈片等形式吸引。」所以陳慶恩很容易被「告別」的主題打動，當他在使用幾個世紀前的素材時，又何嘗不是在和在回望那些已被人們「告別」的東西，去和它們展開一場對話，或許有修養的聽眾聽出箇中的不捨滋味，也能會心一笑。
按下快門的那一刻，便已消失
實際上祈大衛對寶麗萊這種媒介本身並沒有執念，他對待媒介更替的態度相當理性：接受這種物理過程的消亡，因為這是必須接受的事。大概因為攝影本身已經是在捕捉消亡一刻的藝術，所以攝影的人，對待這種脆弱美感反而能共從容。他拍花拍果，是為捕捉易逝的片刻，愈短促的生命似乎愈契合他作品中的主題，手法上也嘗試去運用各種不同的光作為背景：日光、暖色、綠色、檸檬色。他說：「我的作品中有兩個層次，首先是拍照的那一刻，當你望着那一刻的場景，按下快門，那一刻便已消失，這是攝影藝術的特質決定的。其次則是寶麗萊也在消失。」
而《聲影留別》與他作品的對話，恰恰也是用兩種層次去推進的--蕭邦的《離別曲》是第一層離別，引用蕭邦作為素材則是第二層離別，景框內外，和音符內外，構建出了一種很有默契的互文結構。而隨着整首曲子結尾那一刻的平靜，我們會感受到這場告別儀式的淡靜落幕。用攝影與音樂的媒介銜接出兩種藝術中對易逝之美永存的情懷，便是這場展覽最感人所在。
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